Lanweil

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Tutorial de Niklas Jansson.pdf (517.4 KB, 305 visitas)

Marta

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Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

Lanweil

De nada, cuando este terminado lo completo y actualizo.

FRANK SOLO

¿Podríais traducir también los textos de las ilustraciones?, es que yo de inglés... pues muy poco, aunque entiendo muchos de ellos, siempre prefiero ver la traducción al castellano.
En cualquier caso, muchas gracias por el curro que os estais dando.

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Cuento mi edad por los amigos, no por los años vividos. (no se donde coño lo leí)

Marta

Segunda parte del tutorial de Niklas Jansson
http://www.itchstudios.com/psg


Alisar y simplificar


Trabajad con pinceles grandes y eliminad pinceladas innecesarias. Observar el ejemplo malo y el correcto aquí debajo. Realmente no he hecho mucho en el segundo. Está realmente simplificado. Es sorprendente lo que un poco de alisado aquí y allá puede hacer. Sin embargo, utilicé un poco más de tiempo en hacer la cara. Una cara mal hecha puede arruinarlo todo. Se tomó una imagen como referencia.

http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069
http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069


Puntos focales


Un cuadro es una jerarquía de detalles importantes y menos importantes. Si estás haciendo una chica de calendario, por ejemplo, la figura principal y la silueta es lo más importante. En los cómics se usa a menudo una línea gruesa alrededor de la silueta, y cuando menos importante es un detalle más delgadas son sus líneas. Cuando pintas debes hacer lo mismo, ¡pero con las pinceladas! Marca las diferencias en tono, saturación, valor, bordes, nitidez, detalle y composición para guiar el ojo del observador hacia el punto focal del cuadro.

Si lo interpretas todo de la misma manera dentro del cuadro, se verá plano. Puedes guiar el ojo hacia los puntos importantes, pero una vez que el ojo esté allí, necesita algo interesante para mantenerse allí, como, por ejemplo, detalles adecuados. La cantidad de detalles en un punto debería ser proporcional a la cantidad de tiempo que el ojo permanezca allí.

http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069

Intento de aislar algunas de las técnicas que puedes usar para atraer el ojo.

Aquí hay un ejemplo que he hecho:

(A) Important forms | (B) Textue | (C) Both

Puede ser muy peligroso entusiasmarse pintando detalles, especialmente en una fase temprana del cuadro. No puedes realizar detalles del mismo modo en la sombra que en la luz. En la segunda (B) sólo introduje todos los detalles para demostrar cuál es el resultado si simplemente esbozas todos los detalles sin pensar en las formas importantes (A). (C) es todavía un poco confuso, pero es más una cuestión de construcción. La vistas de perfil no permite llegar mucho más allá, y la anatomía es demasiado rara, lo cual la hace difícil de leer.

http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069

A es la forma sin detalles, B es el detalle y C es ambos. Cuidado con no pasarse con la B, ¡la forma se tiene que poder leer!


Perspectiva y construcción

No voy a poner aquí un largo tutorial de perspectiva. En vez de ello, voy simplemente a mencionar cuánto más fácil resulta si haces unas pocas líneas guía para alinear la figura con el fondo cuando dibujas.

http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069

Si eres reacio a hacer fondos sólo porque la perspectiva te resulta tediosa, puedes usar una simple perspectiva de dos puntos y colocar los detalles intuitivamente. Es sorprendente cuánto más fácil es alinear las cosas correctamente con sólo unas pocas líneas (al menos para mí). No tiene que quedar perfecto para que parezca correcto. Existe el riesgo de que tu diseño se resienta si no eres capaz de improvisar rápidamente y tienes que utilizar la regla en cada nueva línea. Primero dibuja la línea del horizonte, luego haz líneas radiales aleatorias desde los dos extremos, y luego simplemente haz tu esbozo.

http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069

Aquí podéis ver unas pocas líneas a mano alzada que me ayudan a conectar los hombros con el resto. Cuando dibujas personas, ayuda mucho conectarlo todo partiendo de la columna vertebral.


El arte de la línea

Exagerar

Algo maravilloso del arte es que puedes exagerar cosas, como las caderas y los pechos… Jaja, no, en serio, es una buena cosa que las curvas más importantes se vean más pronunciadas.

Simplificar

La ventaja del arte sobre las fotos es la simplificación. En una foto te puedes distraer con los detalles. Cuando pintas, puedes eliminar todos los objetos que no sean relevantes para la escena. Las arrugas y relieves menores pueden ser eliminados para obtener mayor fluidez en la línea. Un error común que veo es que la gente dibuja todos los abdominales con demasiada cantidad de líneas. Es mejor omitir algunas, especialmente si vas a colorear el dibujo, porque el contraste entre los diferentes planos de color funcionará como las líneas.

Armonía

Otra palabra para denominarla es ritmo. Al contrario que las cosas que he mencionado antes, esta tiene que ver con la relación entre los detalles y cómo las líneas intersecan y toman predominancia unas después de otras.Procura que las líneas fluyan y se conecten unas con otras para dar unidad a las diferentes partes de la figura.

Estilizar

Cuando utilizas un estilo, es importante ser consistente. Puedes convertir curvas en bordes duros o puedes optar por líneas radicalmente sinuosas. Yo prefiero una combinación, en la que convierto una curva en un borde duro a partir de un cierto umbral.

El peso de la línea

No soy un gran fan de las líneas con un ancho fijo, así que he ideado algunas reglas generales para variar el grosor de la línea:

• Las líneas son más gruesas en el lado sombreado, y más delgadas en el lado iluminado.
• Las líneas son más gruesas cerca del observador, y más finas según se alejan.
• Las líneas de las siluetas son más gruesas. Los detalles internos utilizan líneas más finas.
• Los materiales más ligeros llevan líneas más finas.
• Las líneas delgadas funcionan bien con los temas detallados.
• Las líneas gruesas funcionan bien con las figuras simples.
• Una línea gruesa funciona bien con colores planos.
• Una línea fina funciona bien con una interpretación realista y volúmenes pronunciados.

Además, no siempre es necesario que dibujes una línea. A veces puedes simplemente insinuar el final de la misma, y el ojo completará el resto. Ejemplos de ello son los lugares en los que dos partes de piel se juntan, como la boca, las nalgas, los pechos, etc. Es bueno hacer la línea un poco más gruesa cuando hay un hueco. Ejemplos de ello son los lugares en los que la ropa se extiende sobre los huecos entre los músculos o… los escotes.

Finalmente, aquí hay unas pocas ilustraciones. La primera es Photoshop (5.5)+ Tableta Wacom y no hay calidad de línea de la que hablar, pero espero que captéis la idea. La segunda es un entintado de hace algunos años.

http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069

http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069


Estudios

¿Cómo?

No empecé a hacer estudios hasta hace sólo unos años, y lo lamento. No darás con las líneas correctas con suposiciones y garabatos descontrolados. Utilizando referencias eso es lo más lejos que podrás llegar. Para trabajar con más soltura y rapidez necesitas ser capaz de dibujar sin tener que pensar en la construcción general de las cosas (como anatomía básica, por ejemplo). De esta manera te podrás concentrar en el verdadero diseño y detallado.

Construye tus dibujos/cuadros. No vayas con el lápiz de un lado a otro haciendo detalle tras detalle. Comprueba siempre las proporciones generales y no te dejes llevar por los detalles demasiado pronto. Marca los lugares donde estarán las características importantes. Serán puntos de referencia que irás conectando después.

Procura aprender una cosa cada vez. No puedes aprender a hacer malabarismos mientras practicas los 400m vallas. Si quieres aprender a utilizar una herramienta o técnica, inténtalo haciendo estudios de cosas fáciles como frutas. Si quieres aprender a dibujar el rostro humano, usa un medio o técnica que domines y contra la que no tengas que luchar también. Si hay varias cosas a la vez que no manejas bien, no podrás ver qué es lo que estás haciendo mal. La cantidad también es importante. No te recomendaría hacer estudios de anatomía con tediosas herramientas para tallar madera, por ejemplo.


El lápiz

Los estudios a lápiz no tienen por qué ser más que unas pocas miniaturas rápidas en un papel. Yo paso unas pocas horas haciendo estudios cuando me pongo a ello, y hago unos 10-30 por hoja (A4). Sólo hago un par de estudios al mes, pero ciertamente percibo que mejoro cada vez. Imagina lo que sucedería si lo hicieras varias veces por semana durante años.

1 - 2 – Algunas viejas hojas de estudios hechas de cómic (poses) y de fotos (caras).

Pintura

Cuando hago estudios digitales utilizo Photoshop y la mayoría de las veces una foto sacada de la red. Duplico la ventana y dejo en blanco la nueva. Entonces empiezo a situar las masas más grandes de color en sus posiciones aproximadas. Después, voy incrementando gradualmente la precisión de los detalles y los valores/colores lo mejor que puedo. Cuando se parece mucho al original desde cierta distancia o entornando los ojos, está terminado. Siempre trabajo con el pincel más grande posible que te permita interpretar un detalle determinado. No tomo muestras de color de la imagen original, pero mantengo las ventanas del mismo tamaño para poder ver si pongo algo fuera de sitio. Si quieres aumentar la dificultad, siempre puedes intentar dibujar en una ventana de diferente tamaño y volteado horizontalmente, o pintar algo del natural.

1 - 2 – El primero es OpenCanvas (OC), el segundo PS.

1a -> 1b - 2 – Aquí intenté ser lo más económico posible. El segundo no es un estudio, sino un ejemplo de limpieza, que no es necesaria para hacer estudios.

1 - 2 – Estos están hechos con referencias. Me tomé la libertad de añadir la línea como toque artístico. Opencanvas.

1 - Uno de mis primeros estudios.


Estudiando objetos

¿Qué estudiar?

¡Estúdialo todo! Necesitas construir una gran biblioteca de formas y objetos en tu cabeza para ser capaz de dibujar de forma intuitiva. Lleva más o menos una vida o más hacerlo, así que ¡empieza ya!

Anatomía humana

Una de las cosas más importantes que necesitas saber. Incluso los monstruos tienen formas que se corresponden con la anatomía humana.

- El cuerpo entero. Usa fotos, libros de anatomía, estatuas o gente real.
- La cara es lo primero que miramos. Si sitúas una línea un poco fuera de lugar, la expresión entera de la cara cambiará. Haz estudios de fotos, de tus amigos y de ti mismo.
- Las manos también son importantes (y difíciles) de aprender.
- Los pies pueden ser complicados también, no por la forma, sino porque necesitas plantar al personaje en el suelo de tal forma que no parezca que se está cayendo o que el suelo está inclinado.
- La ropa diaria. Es importante aprender cómo se arruga la ropa, y cómo se ven y cómo se ajustan al cuerpo los diferentes tipos de tela.


Detalles y estilos

Necesitas variedad e ideas frecas. Aprender diferentes estilos puede ser una buena idea.

- Dibuja del natural usando a tus amigos como referencias, o la gente de una cafetería, o de un autobús o de sitios similares. ¿Cuál es la pose de una persona que abre una puerta, busca sus llaves, o que se ve intimidado por un artista?
- Marvel: ¿cómo representan los artistas de Marvel el cuerpo humano con líneas? ¿Qué detalles son importantes y cuáles se simplifican?
- Modesty Blaise, o algún otro cómic de estilo realista. Dibujar degradados únicamente con blanco y negro no es fácil.
- Manga o un estilo que te guste. Una vez más: ¿cómo convierte el artista la anatomía en líneas y manchas de color? ¿Qué paralelismos encuentras entre los diferentes estilos?

El entorno

Situar a tu personaje en un entorno le hace cobrar vida. Esto es algo que yo mismo tengo que aprender.

- Paisajes con campos, montañas o lo que sea.
- Un bosque espeso o una jungla.
- Un paisaje urbano o industrial.
- Un interior, como una habitación con muebles. Aburrido, lo sé. Para ser honesto, yo aún no lo he hecho.

Coge un libro de animales...

... y dibuja algunos. Una buena forma de diseñar un monstruo es mezclar varios animales en uno solo.

-Todas las cosas vivas. La madre Naturaleza ha utilizado millones de años para perfeccionar sus diseños, así que mejor estúdiatelos.
-Caballos, gatos, perros, pájaros. Estos son los más importantes porque son los que se ven más habitualmente.


Maquinaria

Necesitas practicar el dibujo de máquinas. Puede ser útil para diseñar robots y extraterrestres en una cruenta batalla de un fantástico planeta.

-Coches de diferentes modelos.
-Excavadoras y maquinaria de trabajo.
-Vehículos militares.

Objetos clásicos de bodegones

O básicamente cualquier cosa. Es bueno para aprender a dibujar o pintar en general, porque suelen tener formas sencillas. No necesitas pelearte tanto con las formas y puedes concentrarte más en los materiales.

-Flores, frutas, esqueletos, esculturas, trozos de madera, metal oxidado.


Autocrítica

Analizar lo que haces mal

Es fácil dejar de percibir objetivamente la imagen cuando la miras demasiado tiempo (lo cual debes hacer para ser capaz de trabajar, por supuesto). Prueba a voltear las imágenes, mirarlas al revés, a través de un espejo (yo uso un CD), y haz zoom de cerca y lejos (o quítalo). No te sientes demasiado cerca del papel o acerques el zoom. También puedes hacer “New view” en Photoshop.

Debes aceptar que el simple hecho de que hayas trabajado en algo durante un tiempo no significa que ese algo tenga algún valor. Tienes que estar preparado para sacrificar el tiempo que has empleado en hacer algo que se ve flojo. Incluso si estás contento con el nivel de detalle, podrías tener que rehacerlo. A veces no es el detalle en el que te estás centrando lo que está mal, sino algo relacionado con él, como el valor del fondo o la perspectiva de otro detalle.

¿Qué es lo más importante de un cuadro?

• Construcción: ¿qué intentas pintar? El sujeto y la composición deberían funcionar desde la primera fase. Si no es así, ninguna interpretación artística en el mundo podrá salvarlo. No te hagas ilusiones de que podrás salvar el cuadro después. Si una pose se ve errónea ahora, se verá rígida al final también, incluso si el propio Rembrandt la pinta.
• Los valores: para que una obra funciones necesitas usar valores para esculpir las formas. Los valores pueden realizar muchísimo trabajo de agrupación y separación de formas.
  
  Mirad la ilustración: La primera versión está obviamente mal. Simplemente se le ha dado a cada forma un tratamiento de luz y sombra. El segundo está mejor, pero sólo hay un tipo de valor. El tercero tiene diferentes valores en las diferentes formas. Sin embargo, tal vez falla en cuanto a construcción…
  
  http://www.3dpoder.com/foro3dpoder/a...1&d=1174253069
  
  Aquí, tanto el valor como el color se usan para separar el primer plano del fondo.
• Color: es posible que te equivoques un poco con el color (tono y saturación) y aun así consigas sacar la obra adelante. Si no hay forma de hacer que los colores funcionen, es probable que los valores sean incorrectos. Como nota adicional, si los pasos previos funcionan, es fácil hacer nuevas imágenes más frescas utilizando las herramientas de balance de color. Por mi experiencia, la elección original es a menudo la mejor.

Críticas y errores comunes

Cuando digo críticas en algunos foros, siempre termino diciendo exactamente las mismas cosas. Aquí hay una lista de los errores más comunes que los artistas principiantes cometen.

Problema: Poner luz, sombra y tono medio en todas las formas, sin contar con la localización y el ángulo de la forma.

Solución: Prueba a alejar el zoom, voltéala, pon tu propia cabeza del revés para observarla. No interpretes cada detalle individualmente. Si das la misma luz a las formas menos importantes el cuadro se verá plano y será difícil distinguir las formas más importantes.

Problema: Mezclar negro en la sombra y blanco en la luz, y los dos para obtener los tonos medios del gradiente.

Solución: Esto hace que el cuadro parezca gris y apagado. He encontrado algunas personas que buscaban “tutoriales de sombreado”. Eso no existe. No hay atajo que diga que deberías empezar por un tono oscuro y terminar con uno claro, y aplicarlo a cada detalle. Debes aprender cómo funciona la luz e interpretarla casi como si fueras un programa de 3D. Algunos pueden rechazar esta idea, pero para mí es cierta. A veces obtengo mejores resultados cuando dejo de lado mis prejuicios y mis hábitos y simplemente sigo las “reglas de render”.

Problema: Interpretar y destacar detalles que sólo distraen al observador.

Solución: Tendrás que sacrificar muchos detalles que podrían haber quedado maravillosos de haberlos completado. Lo importante es la obra como un todo. Por tanto, nada de destellos en la hebilla del cinturón de un tipo insignificante en la esquina. El ojo se guía por los brillos, el contraste y la saturación. Debes guiar al ojo hacia las partes importantes del cuadro.

Problema: Poses sin vida y rígidas.

Solución: Yo esto lo hago mucho. Es tan fácil dibujar a la gente de perfil o de frente con los brazos extendidos. Pero esto termina quedando aburrido y sin dinamismo, a menos que tengas una idea de composición en mente, o que estés haciendo un icono. Se intenta mostrar todos los detalles de un personaje en un único dibujo, pero si buscas una pose dinámica esto será muy difícil. Oscureciendo el cuerpo tal vez tendrías que sacrificar un brazo para conseguir una buena pose. Además, cuando escondes un detalle, dejas que la imaginación del observador decida qué aspecto tiene, ¡lo cual puede ser una buena cosa! Puede quedar mejor en la mente de lo que jamás quedaría en el lienzo.

De cualquier modo, aprende a realizar escorzos y poses dinámicas haciendo estudios de cómics y de modelos de fotos o del natural.

Problema: Mala economía de las líneas, o intentos pseudoartísticos de trazos-mira-qué-espontáneo-soy.

Solución: Cada trazo debería estar contribuyendo a la pieza. Algunas personas esperan seguir adelante con trazos aleatorios y pseudoartísticos. Los trazos aleatorios crean detalles aleatorios. Los detalles aleatorios distraen al observador de los verdaderos detalles del cuadro o dibujo. Ya sé que parece que algunos artistas pintan escenas perfectas con sólo unas pocas líneas rápidas bien situadas, pero pienso que en realidad hacen mucho trabajo de limpieza y optimización. Revisa la obra entera pieza a pieza y borra o aplana los trazos que no están contribuyendo a ella. Asegúrate de que el foco está en el motivo principal y no en alguna línea pseudoartística. Las formas y los volúmenes más grandes son siempre los más importantes y tendrás que sacrificar muchos trazos que podrían quedar estupendos para que el todo funcione.

Miniatura de Adjuntos

       

       

       

       

       

   

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Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

Marta

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kouprey

Marta

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A78

Marta estas que te sales, gran trabajo que nos ayudara mucho!.
Mar tambien!, se agradece mucho el esfuerzo!


Editado: jejeje, gracias Marta, interpretadme con la intuicion please!

Marta

Hombre... Espero que no.

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Marta

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A78

nada de piropos conmigo!, tu eres una artista yo solo soy persistente.

( Marta me admira! Marta me admira! )

Marta

Pues a mí que me da que es al revés...

A mí todavía me queda mucho para llegar a un nivel aceptable.

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Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

FRANK SOLO

No hay problema Marta, tampoco te preocupes demasiado.
Ya procuraré buscar una traducción aproximada y si no... pues preguntaré por aquí. En cualquier caso, muchas gracias por tu esfuerzo.

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Cuento mi edad por los amigos, no por los años vividos. (no se donde coño lo leí)