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Tema: Historia del Diseño Gráfico

  1. #31
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    Dadaísmo

    El movimiento dadaísmo se desarrolló espontáneamente como un movimiento literario después de que el poeta Hugo Ball abrió el Cabaret Voltaire en Zurcí, Suiza, como un lugar de reunión para poetas, pintores y músicos jóvenes independientes. El espíritu que guiaba el movimiento dadaísta era un joven poeta húngaro, Tristán Tzara, quien editó el diario Dadá iniciado en julio de 1917. Junto con varios compañeros exploró la poesía fonética, la poesía del absurdo y la poesía fortuita. Escribió un torrente de manifiestos y contribuyó en todas las publicaciones y eventos dadaístas más importantes. Al reaccionar contra un mundo que se había vuelto loco, el dadaísmo afirmaba ser el ansiarte y poseía un fuerte elemento destructivo y negativo. Rechazando toda tradición, buscó la libertad total.

    Los dadaístas ni siquiera estaban de acuerdo en sus orígenes con el nombre de dadá, tal era la anarquía de este movimiento. Estos escritores estaban interesados en el escándalo, la protesta y el absurdo. Se rebelaron violentamente contra los horrores de la Guerra Mundial, la decadencia de la sociedad europea, la frivolidad de la fe ciega en el progreso tecnológico, la insuficiencia de la religión y los códigos morales convencionales en un continente en pleno cataclismo. Su rechazo del arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual del futurismo. Su síntesis de acciones espontáneas al azar con decisiones planeadas les permitió deshacerse de los preceptos tradicionales del diseño tipográfico. Asimismo, el dadaísmo mantuvo el concepto del cubismo acerca de las letras como formas visuales concretas, no sólo como símbolos fonéticos.

    -foneticos.jpg

    El pintor Marcel Duchamp se unió al movimiento dadaísta y se convirtió en su artista visual más prominente. Anteriormente había analizado sus temas como planos geométricos bajo la influencia del cubismo. Para Duchamp, el portavoz más claro del dadaísmo, tanto el arte como la vida eran procesos del azar y de la elección deliberada. Los actos artísticos se volvieron un asunto de decisión y selección individuales. Esta filosofía de absoluta libertad permitió a Duchamp crear una escultura ya hecha por medio de objetos convencionales y mostrarlos como arte. Fue Duchamp quien pintó bigotes a una reproducción de la Mona Lisa siendo este acto un ataque ingenioso contra la tiranía de la tradición y de un público que había perdido el espíritu humanístico del Renacimiento.

    El dadaísmo se propagó rápidamente desde Zurcí hacia otras ciudades europeas. A pesar de pretender que ellos no estaban creando arte, sino burlándose y difamando a una sociedad que se había vuelto loca, varios dadaístas produjeron un arte visual significativo que fue una aportación para el diseño gráfico. Los artistas dadaístas afirmaban haber inventado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes fotográficas fusionadas para elaborar yuxtaposiciones estremecedoras y asociaciones al azar.

    Los dadaístas berlineses asumieron fuertes convicciones políticas y revolucionarias y orientaron gran parte de sus actividades artísticas hacia la comunicación visual, para elevar la conciencia pública y promover el cambio social. Helmut Herzfelde quien adoptó el nombre de John Heartfield en protesta contra el militarismo alemán y su ejército se convirtió en el miembro fundador del grupo dadaísta en Berlín y fue quien utilizó disyunciones rígidas del fotomontaje como una potente arma de propaganda e innovó la preparación del arte mecánico para la impresión en offset.

    El dadaísmo fue el movimiento liberador más importante de su tiempo, y todavía en la actualidad es posible observar su influencia. EL dadaísmo nació como una protesta contra la guerra, pero sus actividades destructoras y exhibicionistas se volvieron más absurdas y extremas al terminar el conflicto armado. Entre 1921 y 1922 la controversia y el desacuerdo se dejaron ver entre sus miembros y el movimiento se dividió en facciones.

    Para André Breton, que se había incorporado al movimiento, el dadaísmo había perdido su relevancia y él surgió como el nuevo líder de un movimiento que habría de tomar direcciones nuevas.

    Finalmente, el dadaísmo, llevó sus actividades negativas hasta el límite, carecía de un liderazgo unificado y muchos de sus miembros comenzaron a desarrollar los planteamientos que darían origen al surrealismo; el dadaísmo decayó y dejó de existir como un movimiento coherente a finales de 1922. Los dadaístas como Schwitters y Heartfield continuaron evolucionando y produjeron su obra más refinada después de la disolución del movimiento.
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  2. #32
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    Surrealismo

    Surréalisme es un término francés compuesto del prefijo sur y el nombre réalisme. La primera vez que aparece es en el título de la obra de Apollinaire Las tetas de Tiresis. Drama surrealista.

    Su traducción sería algo así como superrealismo o sobre el realismo. De esa forma querría dar a entender el arte que está más allá de la realidad. De hecho en un principio la traducción española citaba Superrealismo o Sobrerrealismo.

    Hoy día ha permanecido el término Surrealismo, que no se debe confundir en la traducción española como surrealismo, lo cual distorsionaría completamente el sentido de la palabra.

    El Surrealismo puede dar sentido por sí solo al movimiento vanguardista. La capacidad imaginativa y la sugerencia de sus construcciones mentales significaron, sin duda, una verdadera revolución en el arte posterior a la Primera Guerra.

    Aunque se haya dicho muchas veces que el Surrealismo viene directamente del Dadaismo es importante destacar los orígenes autónomos y propios del primero. Lo cual no quita que tengan entre sí líneas de contacto y reflexiones comunes. Pero si el dadá es un arte que propugna destruir, provocar el caos y aniquilar, el Surrealismo construye de veras una concepción del arte y de la vida.

    Freud ejerce una influencia decisiva en el movimiento. Sus teorías acerca del mundo autónomo de los sueños, de la capacidad automática de la psiquis, del profundo y oscuro mundo interior de la mente -el subconsciente o inconsciente- aparecen como reveladoras de una nueva naturaleza del arte humano. Breton comienza a estudiar al psicoanalista vienés ya en 1916 -tres años antes de que se conocieran él y Tristan Tzara- y desarrollará un amplio caudal de conocimientos sobre dichas teorías.

    Consecuencia de aquel conocimiento y del encuentro de varios artistas será el nacimiento de la revista Littérature fundada por André Breton, Louis Aragon y Philippe Soupault, nacida como consecuencia de la crisis del Dadá. Igualmente, en 1919 Breton y Soupault publican la que puede ser la primera obra surrealista: Champs magnetiques. Pero será 1924 el año decisivo: en ese año nacen las revistas Surréalisme y Révolution surréaliste y Breton redacta el Primer Manifiesto del Surrealismo. Ya para entonces se les han añadido nombres como Artaud, Éluard, Péret y otros.

    El concepto surrealismo ya había sido citado por Apollinaire. Sin embargo, Breton aporta un nuevo contenido y una nueva significación.

    -apollinaire.jpg

    A partir de 1925 el movimiento se expande y politiza. Se publican cartas denuncias dirigidas al papa, al dalai lama, contra la guerra, a favor de libertad para los delincuentes y para los locos. Su inclinación izquierdista no es óbice para sufrir la desconfianza del comunismo estalinista. La voluntad de los artistas surrealistas de militar en el comunismo se encuentra con la férrea burocracia del dogmatismo del partido francés (PCF). Ello no impide que el Papa Bretón redacte su Segundo Manifiesto del Surrealismo en diciembre de 1929, donde criticará a aquellos surrealistas puros, que no han apoyado la revolución marxista.

    Como consecuencia de aquella batalla dialéctica de varios años, con crisis en el grupo y cambios de posicionamientos, Breton, Éluard y Crevel serán expulsados en 1933 del PCF. Quedan así dos tendencias surrealistas: una, identificada con el partido comunista francés, y otra, encabezada por Breton que se agrupa en torno a una tendencia de tipo trotskista.

    Con la segunda Guerra Mundial el movimiento llega a América. Bretón, exiliado en los Estados Unidos, funda allí la revista V.V.V., conoce a Trotski en México y propicia y apoya el efecto surrealista por todos esos países.

    -trotski.jpg

    A su regreso a Europa en 1945 insiste en difundir el movimiento surrealista. Pero ya Francia, y Europa, han entrado en la onda del existencialismo y del arte comprometido desde otros presupuestos. Son Sartre y Camus los nuevos creadores de opinión literaria. Sin embargo, Breton, respetado y elogiado, lleva su actitud de denuncia social hasta rebelarse contra la guerra de Argelia (1958).

    Salvador Dalí ha sido el más destacado excéntrico en sus hechos, dichos automáticos, escritos y por supuesto obra. La relación de artistas que se mueven dentro del surrealismo es extensa: Duchamp, Max Ernst, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux.

    -paul_delvaux.jpg

    Para algunos grandes maestros el surrealismo fue solamente una fase como para Joan Miró, el que en su etapa de grafismo infantiles se acerca al monigote. El Surrealismo fue una vía de escape para muchos artistas de los más diversos ámbitos, cabe citar a una Frida Kalho.

    Los maestros del Surrealismo supieron poner a presión la gran libertad de espíritu que Breton consideraba básica para hacer estallar la imaginación.
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  3. #33
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    Constructivismo

    Movimiento artístico de vanguardia fundado en Rusia. Dicho término lo utilizó por primera vez en 1913 el critico N. Punin a propósito de los relieves de Tatlin. Según A. Gan, el movimiento como tal surgió en 1920 en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas.

    En dicho marco se sitúa el Manifiesto realista de N. Gabo y A. Pevsner y las tesis productivistas enunciadas por Vesnin, Popova, Ekster, Rodchenko y Stephsnova en el catalogo de la muestra 5x5=25. En gran parte, los presupuestos figurativos del constructivismo eran análogos a los de movimientos contemporáneos como el cubismo, el dadaísmo y, en particular, el futurismo. Al igual que este último, el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las propuestas de la tecnología y la mecánica industriales. Sin embargo, la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo.

    Los artistas del movimiento vieron en los caminos abiertos por la revolución de Octubre, la posibilidad concreta de romper el aislamiento entre el arte y las masas y construir un nuevo arte para una nueva sociedad. De 1920, data el proyecto de Tatlin, con motivo de la III Internacional de una arquitectura escultura constituida por una espiral de hierro que se expande en diagonal, encerrada por paredes de vidrio de una altura superior a la de la torre Eiffel. En 1923, el proyecto de los hermanos Vesnin para el Palacio del Trabajo, un volumen claro, estereométrico, compuesto por delgadas barras metálicas constituyó el primer intento de expresar con una nueva forma una nueva dimensión social.

    En 1924, nace otro proyecto de los hermanos Vesnin para el edificio del periódico Pravda de Leningrado, un edificio de vidrio, hierro y cemento armado. En 1925, Melnikov construye el pabellón soviético de la Exposición de París: un rectángulo estereométrico de estructura de madera con colores puros, cortado en diagonal por la escalera.

    Este periodo de intensa experimentación durara hasta 1933 y sólo en algunos casos serán algo más que proyectos: tipologías de edificación, nuevos centros comunitarios (los llamados condensadores sociales), nuevas fabricas, nuevas hipótesis urbanísticas. Sin embargo, paulatinamente, y debido al choque con los problemas reales planteados por la construcción del socialismo, en el movimiento surge una escisión entre el ala formalista (Leonidov) y el ala productivista (Tatlin, Ginzburg).

    Ello constituirá el preludio del fin del movimiento que se producirá a partir de 1933 al prevalecer en la organización estatal soviética una ideología burocráticoacadémica imputable, en el fondo, al retraso tecnológico de la Unión Soviética de esa época, respecto del cual las hipótesis formales del constructivismo resultaban desfasadas y sustancialmente inutilizables.

    Ante todo una concepción de la estructuración del espacio, incluso cuando se lleva a cabo en la pintura; la obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella; se abre por todas partes hacia el espacio y consta, especialmente en la fase última del constructivismo de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas.

    En tanto que principio de creación el modelo figurativo se sustituye por el culto del material que en los relieves de Vladimir Tatlin (1885-1953) se refiere al contraste táctil de materiales y en su fase más tardía a la elasticidad y relaciones de peso y tensión dentro de la construcción. Del mismo modo que los futuristas, los constructivistas rusos se fijaban como meta una «reconstrucción» de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la escenografía.

    -escenografia.jpg

    A Tatlin se unieron Aleksandr Rodtschenko (1891-1956), El Lissitzky (1890-1941), Naum Gabo (1890), Antoine Pevsner (1886-1962) entre otros. Por lo que se sabe, el nombre constructivismo fue utilizado por primera vez en 1921, e indica que los artistas consideraban su trabajo del mismo modo que la actividad de los ingenieros, como un «construir» de objetos utilitarios, aunque frecuentemente ésos tuviesen que crear su propia «finalidad». En seguida (y todavía hoy) se utilizó como denominación imprecisa de construcciones geométricas y pictóricas. Esto se debe, en parte, a que la concepción del espacio constructivista no se encuentra exclusivamente en este grupo ruso, era característica ya del espacio pictórico de los cubistas, futuristas y rayonistas, y fue ya realizada por Balla en su Complesi plastici (1914).

    En De Stijl se encuentra particularmente en van Doesburg. En Polonia, Hungría, Alemania y Checoslovaquia se formaron grupos que se llamaron, o se les llamó posteriormente, constructivistas y que tenían generalmente en común con el constructivismo y el suprematismo ruso una parte del lenguaje formal y de las ideas sociales.
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  4. #34
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    Art Déco

    El Art Déco es un estilo con las contradicciones de los años 20 y 30, de la época del modernismo y del arte comprometido. Art Déco es el nombre del estilo en las artes y la decoración.

    El período llamado Art Déco se manifestó entre las dos guerras mundiales, de 1920 a 1939. Muchos estiran realmente este período de nuevo a 1900 e incluso hasta los últimos años 50, pero el trabajo de este tiempo se considera generalmente ser más de una influencia al estilo de Art Déco, o es influenciado por el estilo.

    Como con muchos otros movimientos del arte, incluso el trabajo de hoy todavía está siendo influenciado por el pasado. Tiene dos caras: la opulenta de los años 20 y la depresiva de los 30, del expresionismo y el funcionalismo, de las guerras mundiales y la paz.

    Durante el período entre las dos guerras mundiales, un estilo ecléctico del diseño se convirtió que más adelante se conocía como Art Deco. El nombre fue derivado de los artes 1925 del DES de Internationale de la exposición Décoratifs Industriels et Modernes, sostenido en París, que celebró la vida en el mundo moderno.

    -mundo_moderno.jpg

    Hoy, el Art Déco se utiliza para referir a una mezcla de estilos a partir de los años 20 y de los años 30. La era de Art Déco era una de contradicciones. Con los años 20 el rugir y la gran depresión de los años 30, el estilo de Art Déco infundió el diario mundo con un estilo elegante de la sofisticación fresca.

    Los musicales de los cantantes y las audiencias entretenidas los escritores de canciones con el nuevo medio de la radio, y de Hollywood ofrecieron la esperanza de épocas mejores y de un escape temporal de apuros diarios. El recorrido estaba en las noticias con los revestimientos marinos que competían con el Atlántico y entrena a continentes de la travesía, mientras que la velocidad se convirtió en una metáfora por épocas modernas.

    Lo que caracteriza el diseño de Art Déco es la configuración y los artes aplicados del período revelan una mezcla variada. Sin embargo, la mayoría comparten los sellos de la geometría y de la simplicidad, combinados a menudo con los colores vibrantes y la dimensión de una variable simple que celebran la subida de comercio y de tecnología.

    Objetos lujosos hechos de los materiales exóticos producidos para la masa, disponibles para una clase media cada vez mayor, el mundo del Art Déco representa un belleza de la forma. Este período del diseño y del estilo no acaba de afectar la configuración.

    -belleza_de_la_forma.jpg

    Los muebles, la escultura, la ropa, la joyería y el diseño gráfico todo fueron influenciados por el estilo de Art Déco. Era básicamente una modernización de muchos estilos y temas artísticos a partir del pasado.

    Los elementos modernos incluyeron la máquina y modelos y dimensión de una variable del automóvil que producían eco tal como engranajes y ruedas estilizados, o elementos naturales tales como rayos de sol y flores.

    Las líneas del Art Déco son rectas y angulares en gran medida, pero también curvadas, circulares y ovales, no con el sentido floreado del Art Noveau, sino con figuras geométricas como el hexágono y el pentágono. De la flora y la fauna se toman gacelas y galgos, ligeros y elegantes; o elefantes, osos, palomas y sobre todo panteras y garzas; girasoles y helechos, plantas simétricas como las palmas y los cactus. Las siluetas humanas son finas y delgadas, ligeras y elásticas, con vestidos rectos y entubados de seda y brillantes, corte entre la rodilla y el talón y sombrero: Una estampa.

    Las principales obras de la decoración Déco se encuentran en joyas, cristales, tejidos, alfombras, muebles de madera con incrustaciones en otros materiales, lámparas de pie y de mesa, y en piezas modernas de uso doméstico como cocteleras, cafeteras, licuadoras, radios, y en general en todo el diseño gráfico e industrial.

    El diseño industrial hizo un nombre para sí mismo durante la era de Art Déco. Durante los años 30, las compañías de fabricación comisionaron los consultores del diseño industrial producir una variedad de mercancías. Influenciado por esfuerzos de desarrollar un automóvil más aerodinámico, los diseñadores industriales adoptaron las formas aerodinámicas para un número de objetos.

    Hecho de los últimos materiales, tales como plásticos, cromo y aluminio, las mercancías domésticas tenían una mirada moderna, alta de la velocidad y estaban disponibles para cada uno debido a la producción en masa. En la arquitectura, la obsesión del Art Déco por el diseño se refleja en el efecto decorativo más que en la estructura, en oposición al funcionalismo.

    Pero el Art Déco no se puede entender por fuera de la complejidad histórica del inicio del siglo XX. En la primera década aparece la arquitectura de Le Corbusier, el baño integrado al espacio habitable, la masificación de materiales como concretos, acero, vidrio, cromo y la pintura metalizada, en un diseño que no quería ornamentaciones innecesarias.

    -ornamentaciones.jpg

    Los arquitectos norteamericanos crean las ciudades de rascacielos y arquitectura gótica: San Francisco, Chicago, Nueva York. Anque la tierra prometida es América, Europa sigue imponiendo las ideas y la vanguardia en el arte.

    En el año 17 madura la oposición al mercantilismo, que habría de influir mucho en las artes y las artes decorativas de las décadas siguientes. Los colores son azul y rosa, blanco, negro, rojo, lila; los tonos crema y pastel. Se experimentan nuevas tintas y técnicas pictóricas. Las piedras son la aguamarina, el jade, el ónix.

    El Art Déco debe su popularidad a los almacenes por departamentos de París, como las galerías Lafayette, que abrió un estudio de diseño bajo la dirección artística de Maurice Dufrêne.

    Los diseñadores gráficos del Art Deco son un producto de su edad, y reflejan el espíritu de la modernidad y de la ingeniosidad industrial. El estilo gráfico de la formalidad y de la simplicidad geométrica son a menudo usadas en este período para transformar o para torcer realidad, reinterpretando el mundo en el estilo Deco. Los elementos de Cubismo y del Futurismo son evidentes en muchos trabajos, y el recorrido y el transporte son temas populares.

    -cubismo.jpg

    El Art Déco implica un mercado más abierto. El decaimiento del mismo, hacia los años 30, es fundamental en su historia. Se producen en serie los diseños tipo y también aparece el kitsch y los gadgetsinútiles que vulgarizan el estilo. Su agonía coincide con los sobresaltos políticos y económicos de una década convulsiva que significó el rompimiento de muchas cosas, y el Art Déco no se salvó de morir.
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    De Stijl

    El último verano en Holanda de 1917, marcó la formación del movimiento y del periódico De Stijl. Piet Mondrian, Bart van der Lek y el arquitecto J.J.P. Oud se unieron a Théo van Doesburg, fundador y guía espiritual de este grupo.

    Van der Lech parece haber sido el primero en pintar figuras geométricas planas de color puro, además antes de formar parte de este grupo, ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas.

    Para entonces, Mondrian había reducido su vocabulario visual a la utilización de los colores primarios (rojo, amarillo y azul) con blanco y negro, en tanto las figuras y las formas quedaron limitadas a líneas rectas, cuadrados y rectángulos. Empleando estos medios tan limitados, Mondrian construyó composiciones de un balance simétrico sublime, en las cuales la tensión y el balance de los elementos alcanzaron una absoluta armonía.

    -vocabulario_visual.jpg

    El restringido vocabulario visual de los artistas De Stijl permitió buscar a los artistas una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.

    Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban expresar la conciencia general de su época. Ellos creían que la Guerra Mundial estaba arrasando con una vieja época. Los adelantos científicos, tecnológicos y políticos anunciaban una nueva era de objetividad y colectivismo.

    De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales.

    -apariencia_de_las_cosas.jpg

    Para los artistas De Stijl, la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra. Así, la depuración en el arte de la representación del mundo natural, de la dependencia de valores externos y de los caprichos subjetivos del individuo se volvió de primer orden. El contenido de su obra se convirtió entonces en armonía universal, en el orden que se extiende por todo el universo.

    El modesto periódico De Stijl, abogaba por la absorción del arte puro por medio del arte aplicado. El espíritu del arte podría pernearse en la sociedad por medio del arquitectura, el diseño gráfico y los productos. EL arte no se subyugaría al nivel de los objetos cotidianos; el objeto cotidiano (y, por medio de éste, la vida diaria) sería elevado a nivel de arte. A principios e los años veinte, comenzó el impacto De Stijl en la arquitectura, en el diseño industrial y en la tipografía.

    -de_stijl.jpg

    Mondrian produjo una colección de pinturas de una calidad espiritual y formal incomparable, Van Doesburg se extendió hacia la arquitectura, la escultura y la tipografía. Incluso llego a dar clases de filosofía De Stijl a los alumnos de la Bauhaus.

    En los diseños tipográficos de van Doesburg y de Vilmos Huszar, fueron eliminadas las líneas curvas y se prefirió la tipografía sans-serif. A menudo el tipo era compuesto en planchas rectangulares compactas.

    Composiciones asimétricamente balanceadas eran dispuestas sobre una red abierta. Como segundo color en la impresión se prefirió el rojo debido a su poder gráfico para competir con el negro.

    Uno de los ejemplos más puros de los principios De Stijl aplicados ala tipografía es la composición para la primera portada de la publicación i10, que entrelazaba los ideales De Stijl y de la Bauhaus de integrar el arte a la vida diaria.

    La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en Rusia, había permanecido como una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX. Una de las tendencias dominantes del diseño gráfico ha sido la aplicación de esta sensibilidad geométrica para dar orden a la página impresa.

    Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio. Para unificar los valores sociales y humanos, la tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes.
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    Expresionismo abstracto

    El expresionismo es un movimiento que surge como reacción al impresionismo; se desarrolla principalmente en Alemania en el primer tercio del siglo XX; (desde 1905 hasta finales de la década de 1920), por lo cual sufre el tremendo impacto de la primera guerra mundial.

    Surgió como una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.

    El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador.

    Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. En el campo de la publicidad comercial el expresionismo gozó de pocas oportunidades para aplicar sus principios, sin embargo en libros, revistas o posters y en pequeñas ediciones para bibliófilos y en los panfletos políticos extremistas si se produjeron interesantes ejemplos con innovadores resultados.

    -innovadores_resultados.jpg

    Desde un punto de vista formal la utilización de los distintos alfabetos no pasa de tener un objetivo informativo y universal pero reflejando el sentido individual dañado por la industrialización y los políticos. Si bien el expresionismo produjo resultados destacados durante un breve periodo, hasta hoy son visibles sus huellas. Se reconoce y valora el intento de crear una expresión personal sin consideración a las reglas del estilo dominante.

    Ahora bien, si los grandes precursores del expresionismo, Hugo von Hofmannsthal y Robert Musil, se distanciaron pronto del movimiento o lo superaron haciendo hincapié en la realizabilidad del proyecto expresionista, y viendo en esta tendencia sentimientos falsos que se manifiestan en mundos especiales primitivos o mórbidos de sujetos patológicamente reducidos, las películas expresionistas aparecen, en esta década del 20, como la indefectible realización de las fantasmagorías prefiguradas por las tendencias expresionistas en el principio del siglo.

    -expresionistas.jpg

    Así a través del cine parecen volver más alucinados que nunca la disposición hacia la abstracción sustentada en la supuesta angustia germánica worringeriana y en el programa de la búsqueda de la realidad expresionista en la idealización del mundo. Estas características se plasman en este cine sobre todo en la distorsión de las puestas en escena y el tratamiento de la luz con fuertes contrastes del claroscuro que remiten, según la lectura de Deleuze, a una lucha que sumerge al mundo presentado, en este espacio del expresionismo, en la vida no orgánica de las cosas.

    Esta afición por animar los objetos -del Golem a la autómata de Metrópolis- recuerda una vida terrible que ignora la sabiduría y los límites del organismo, tal es, dice Deleuze, el primer principio del expresionismo. Así las sombras, las paredes y otros elementos, como una materia pre orgánica, se alzan en la subordinación de lo extensivo a un principio intensivo. De este modo, como señala Mitry, el volumen de la arquitectura reemplaza las superficie pintadas como condición formal del expresionismo. A este respecto Lotte Eisner observa en Der Golem:

    La forma original de las construcciones góticas se transparenta en esas casas de aguilones rígidos, muy altos y estrechos, cubiertos de caña. Sus contornos angulosos, oblicuos, su densidad vacilante, sus escalones usados, ahuecados, no parecen a fe mía sino la encarnación demasiado irreal de un ghetto malsano y superpoblado, donde se vive una eterna angustia.

    De esta manifestación de las fuerzas de la oscuridad, las distorsiones de la Umwelt donde la luz se hunde en un fondo sin fin, la tendencia a la abstracción y sobre todo la terrible vida no orgánica de las cosas que azota al mundo confundiéndose con la naturaleza caracterizan al cine alemán de este principio de siglo.

    Trabajando la piedra de litografía o la madera los artistas se encontraban en disposición de dar forma a sus ideas. Los artistas expresionistas pronto integraron los productos de esos experimentos tipográficos en su repertorio. El individualismo fue la fuerza por una parte pero la debilidad por otra pues las repeticiones y la no transmisibilidad a todas las áreas del diseño limitaron las posibilidades e impidieron que pudiera surgir un movimiento renovador amplio.
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    Conclusión

    El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.

    Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna.

    El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX. Los grandes adelantos de la técnica, la Revolución Industrial y el progreso moldearon la mentalidad del hombre a principios del siglo XX.

    La primera y segunda guerra mundial, contribuyeron al cambio. Cada cual trajo sus nuevas tendencias. Los filósofos aportan teorías reveladoras. Algunas vanguardias no pueden entenderse sin las bases filosóficas que las sustentaron.

    Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.
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