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Tema: aprendiendo cositas

  1. #46
    Miembro Nuevo Avatar de Lanweil
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    Re: Aprendiendo cositas

    Hola, soy nuevo por aquí, llevo un rato curioseando posts y este me pareció genial, muy buenas explicaciones todas. Para guardarmelo me tome la libertad de pasar a un practico pdf de 500kb el tutorial traducido de Niklas Jansson que adjunto por si a alguien le interesa, si es demasiado grande me dicen y lo subo en otro sitio.
    Espero que les sirva.
    Un saludo
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    Última edición por Lanweil; 11-03-2007 a las 17:12

  2. #47
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    Re: Aprendiendo cositas

    Muchas gracias, Lanweil, ¡ha quedado estupendo, muy practico! En breve subiré el resto del tutorial traducido. Aunque esta semana he tenido poco tiempo, he traducido buena parte ya y me queda muy poquito. A ver si le doy el último empujón. ¡Gracias!
    Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

    In pursuit of a dream (Animation Mentor, dibujos y otras cosillas)

  3. #48
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    Re: Aprendiendo cositas

    De nada, cuando este terminado lo completo y actualizo.

  4. #49
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    Re: Aprendiendo cositas

    ¿Podríais traducir también los textos de las ilustraciones?, es que yo de inglés... pues muy poco, aunque entiendo muchos de ellos, siempre prefiero ver la traducción al castellano.
    En cualquier caso, muchas gracias por el curro que os estais dando.
    ¡¡¡Púta crisis!!!

  5. #50
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    Re: Aprendiendo cositas

    Segunda parte del tutorial de Niklas Jansson
    http://www.itchstudios.com/psg



    Alisar y simplificar


    Trabajad con pinceles grandes y eliminad pinceladas innecesarias. Observar el ejemplo malo y el correcto aquí debajo. Realmente no he hecho mucho en el segundo. Esta realmente simplificado. Es sorprendente lo que un poco de alisado aquí y alla puede hacer. Sin embargo, utilicé un poco más de tiempo en hacer la cara. Una cara mal hecha puede arruinarlo todo. Se tomó una imagen como referencia.





    Puntos focales


    Un cuadro es una jerarquía de detalles importantes y menos importantes. Si estas haciendo una chica de calendario, por ejemplo, la figura principal y la silueta es lo más importante. En los cómics se usa a menudo una línea gruesa alrededor de la silueta, y cuando menos importante es un detalle más delgadas son sus líneas. Cuando pintas debes hacer lo mismo, ¡pero con las pinceladas! Marca las diferencias en tono, saturación, valor, bordes, nitidez, detalle y composición para guiar el ojo del observador hacia el punto focal del cuadro.

    Si lo interpretas todo de la misma manera dentro del cuadro, se vera plano. Puedes guiar el ojo hacia los puntos importantes, pero una vez que el ojo esté allí, necesita algo interesante para mantenerse allí, como, por ejemplo, detalles adecuados. La cantidad de detalles en un punto debería ser proporcional a la cantidad de tiempo que el ojo permanezca allí.



    Intento de aislar algunas de las técnicas que puedes usar para atraer el ojo.

    Aquí hay un ejemplo que he hecho:

    (A) Important forms | (B) Textue | (C) Both

    Puede ser muy peligroso entusiasmarse pintando detalles, especialmente en una fase temprana del cuadro. No puedes realizar detalles del mismo modo en la sombra que en la luz. En la segunda (B) sólo introduje todos los detalles para demostrar cual es el resultado si simplemente esbozas todos los detalles sin pensar en las formas importantes (A). (C) es todavía un poco confuso, pero es más una cuestión de construcción. La vistas de perfil no permite llegar mucho más allá, y la anatomía es demasiado rara, lo cual la hace difícil de leer.



    A es la forma sin detalles, B es el detalle y C es ambos. Cuidado con no pasarse con la B, ¡la forma se tiene que poder leer!


    Perspectiva y construcción


    No voy a poner aquí un largo tutorial de perspectiva. En vez de ello, voy simplemente a mencionar cuanto más fácil resulta si haces unas pocas líneas guía para alinear la figura con el fondo cuando dibujas.



    Si eres reacio a hacer fondos sólo porque la perspectiva te resulta tediosa, puedes usar una simple perspectiva de dos puntos y colocar los detalles intuitivamente. Es sorprendente cuanto más fácil es alinear las cosas correctamente con sólo unas pocas líneas (al menos para mí). No tiene que quedar perfecto para que parezca correcto. Existe el riesgo de que tu diseño se resienta si no eres capaz de improvisar rápidamente y tienes que utilizar la regla en cada nueva línea. Primero dibuja la línea del horizonte, luego haz líneas radiales aleatorias desde los dos extremos, y luego simplemente haz tu esbozo.



    Aquí podéis ver unas pocas líneas a mano alzada que me ayudan a conectar los hombros con el resto. Cuando dibujas personas, ayuda mucho conectarlo todo partiendo de la columna vertebral.


    El arte de la línea


    Exagerar

    Algo maravilloso del arte es que puedes exagerar cosas, como las caderas y los pechos… Jaja, no, en serio, es una buena cosa que las curvas más importantes se vean más pronunciadas.

    Simplificar

    La ventaja del arte sobre las fotografías es la simplificación. En una fotografía te puedes distraer con los detalles. Cuando pintas, puedes eliminar todos los objetos que no sean relevantes para la escena. Las arrugas y relieves menores pueden ser eliminados para obtener mayor fluidez en la línea. Un error común que veo es que la gente dibuja todos los abdominales con demasiada cantidad de líneas. Es mejor omitir algunas, especialmente si vas a colorear el dibujo, porque el contraste entre los diferentes planos de color funcionara como las líneas.

    Armonía

    Otra palabra para denominarla es ritmo. Al contrario que las cosas que he mencionado antes, esta tiene que ver con la relación entre los detalles y cómo las líneas intersecan y toman predominancia unas después de otras.Procura que las líneas fluyan y se conecten unas con otras para dar unidad a las diferentes partes de la figura.

    Estilizar

    Cuando utilizas un estilo, es importante ser consistente. Puedes convertir curvas en bordes duros o puedes optar por líneas radicalmente sinuosas. Yo prefiero una combinación, en la que convierto una curva en un borde duro a partir de un cierto umbral.

    El peso de la línea

    No soy un gran fan de las líneas con un ancho fijo, así que he ideado algunas reglas generales para variar el grosor de la línea:
    • Las líneas son más gruesas en el lado sombreado, y más delgadas en el lado iluminado.
    • Las líneas son más gruesas cerca del observador, y más finas según se alejan.
    • Las líneas de las siluetas son más gruesas. Los detalles internos utilizan líneas más finas.
    • Los materiales más ligeros llevan líneas más finas.
    • Las líneas delgadas funcionan bien con los temas detallados.
    • Las líneas gruesas funcionan bien con las figuras simples.
    • Una línea gruesa funciona bien con colores planos.
    • Una línea fina funciona bien con una interpretación realista y volúmenes pronunciados.
    Además, no siempre es necesario que dibujes una línea. A veces puedes simplemente insinuar el final de la misma, y el ojo completara el resto. Ejemplos de ello son los lugares en los que dos partes de piel se juntan, como la boca, las nalgas, los pechos, etc. Es bueno hacer la línea un poco más gruesa cuando hay un hueco. Ejemplos de ello son los lugares en los que la ropa se extiende sobre los huecos entre los músculos o… los escotes.

    Finalmente, aquí hay unas pocas ilustraciones. La primera es Photoshop (5.5)+ Tableta Wacom y no hay calidad de línea de la que hablar, pero espero que captéis la idea. La segunda es un entintado de hace algunos años.






    Estudios


    ¿Cómo?

    No empecé a hacer estudios hasta hace sólo unos años, y lo lamento. No daras con las líneas correctas con suposiciones y garabatos descontrolados. Utilizando referencias eso es lo más lejos que podrás llegar. Para trabajar con más soltura y rapidez necesitas ser capaz de dibujar sin tener que pensar en la construcción general de las cosas (como anatomía básica, por ejemplo). De esta manera te podrás concentrar en el verdadero diseño y detallado.

    Construye tus dibujos/cuadros. No vayas con el lápiz de un lado a otro haciendo detalle tras detalle. Comprueba siempre las proporciones generales y no te dejes llevar por los detalles demasiado pronto. Marca los lugares donde estarán las características importantes. Seran puntos de referencia que iras conectando después.

    Procura aprender una cosa cada vez. No puedes aprender a hacer malabarismos mientras practicas los 400m vallas. Si quieres aprender a utilizar una herramienta o técnica, inténtalo haciendo estudios de cosas fáciles como frutas. Si quieres aprender a dibujar el rostro humano, usa un medio o técnica que domines y contra la que no tengas que luchar también. Si hay varias cosas a la vez que no manejas bien, no podrás ver qué es lo que estas haciendo mal. La cantidad también es importante. No te recomendaría hacer estudios de anatomía con tediosas herramientas para tallar madera, por ejemplo.


    El lápiz

    Los estudios a lápiz no tienen por qué ser más que unas pocas miniaturas rápidas en un papel. Yo paso unas pocas horas haciendo estudios cuando me pongo a ello, y hago unos 10-30 por hoja (A4). Sólo hago un par de estudios al mes, pero ciertamente percibo que mejoro cada vez. Imagina lo que sucedería si lo hicieras varias veces por semana durante años.

    1 - 2 – Algunas viejas hojas de estudios hechas de cómic (poses) y de fotografías (caras).

    Pintura

    Cuando hago estudios digitales utilizo Photoshop y la mayoría de las veces una fotografía sacada de la red. Duplico la ventana y dejo en blanco la nueva. Entonces empiezo a situar las masas más grandes de color en sus posiciones apróximadas. Después, voy incrementando gradualmente la precisión de los detalles y los valores/colores lo mejor que puedo. Cuando se parece mucho al original desde cierta distancia o entornando los ojos, esta terminado. Siempre trabajo con el pincel más grande posible que te permita interpretar un detalle determinado. No tomo muestras de color de la imagen original, pero mantengo las ventanas del mismo tamaño para poder ver si pongo algo fuera de sitio. Si quieres aumentar la dificultad, siempre puedes intentar dibujar en una ventana de diferente tamaño y volteado horizontalmente, o pintar algo del natural.

    1 - 2 – El primero es OpenCanvas (OC), el segundo PS.

    1a -> 1b - 2 – Aquí intenté ser lo más económico posible. El segundo no es un estudio, sino un ejemplo de limpieza, que no es necesaria para hacer estudios.

    1 - 2 – Estos están hechos con referencias. Me tomé la libertad de añadir la línea como toque artístico. Opencanvas.

    1 - Uno de mis primeros estudios.


    Estudiando objetos

    ¿Qué estudiar?

    ¡Estúdialo todo! Necesitas construir una gran biblioteca de formas y objetos en tu cabeza para ser capaz de dibujar de forma intuitiva. Lleva más o menos una vida o más hacerlo, así que ¡empieza ya!

    Anatomía humana


    Una de las cosas más importantes que necesitas saber. Incluso los monstruos tienen formas que se corresponden con la anatomía humana.

    - El cuerpo entero. Usa fotografías, libros de anatomía, estatuas o gente real.
    - La cara es lo primero que miramos. Si sitúas una línea un poco fuera de lugar, la expresión entera de la cara cambiara. Haz estudios de fotografías, de tus amigos y de ti mismo.
    - Las manos también son importantes (y difíciles) de aprender.
    - Los pies pueden ser complicados también, no por la forma, sino porque necesitas plantar al personaje en el suelo de tal forma que no parezca que se esta cayendo o que el suelo esta inclinado.
    - La ropa diaria. Es importante aprender cómo se arruga la ropa, y cómo se ven y cómo se ajustan al cuerpo los diferentes tipos de tela.


    Detalles y estilos

    Necesitas variedad e ideas frecas. Aprender diferentes estilos puede ser una buena idea.

    - Dibuja del natural usando a tus amigos como referencias, o la gente de una cafetería, o de un autobús o de sitios similares. ¿Cual es la pose de una persona que abre una puerta, busca sus llaves, o que se ve intimidado por un artista?
    - Marvel: ¿cómo representan los artistas de Marvel el cuerpo humano con líneas? ¿Qué detalles son importantes y cuales se simplifican?
    - Modesty Blaise, o algún otro cómic de estilo realista. Dibujar degradados únicamente con blanco y negro no es facil.
    - Manga o un estilo que te guste. Una vez más: ¿cómo convierte el artista la anatomía en líneas y manchas de color? ¿Qué paralelismos encuentras entre los diferentes estilos?

    El entorno


    Situar a tu personaje en un entorno le hace cobrar vida. Esto es algo que yo mismo tengo que aprender.

    - Paisajes con campos, montañas o lo que sea.
    - Un bosque espeso o una jungla.
    - Un paisaje urbano o industrial.
    - Un interior, como una habitación con muebles. Aburrido, lo sé. Para ser honesto, yo aún no lo he hecho.

    Coge un libro de animales...

    ... y dibuja algunos. Una buena forma de diseñar un monstruo es mezclar varios animales en uno solo.

    -Todas las cosas vivas. La madre Naturaleza ha utilizado millones de años para perfeccionar sus diseños, así que mejor estúdiatelos.
    -Caballos, gatos, perros, pajaros. Estos son los más importantes porque son los que se ven más habitualmente.


    Maquínaria

    Necesitas practicar el dibujo de máquinas. Puede ser útil para diseñar robots y extraterrestres en una cruenta batalla de un fantástico planeta.

    -Coches de diferentes modelos.
    -Excavadoras y maquinaria de trabajo.
    -Vehículos militares.

    Objetos clasicos de bodegones

    O básicamente cualquier cosa. Es bueno para aprender a dibujar o pintar en general, porque suelen tener formas sencillas. No necesitas pelearte tanto con las formas y puedes concentrarte más en los materiales.

    -Flores, frutas, esqueletos, esculturas, trozos de madera, metal oxidado.


    Autocrítica


    Analizar lo que haces mal

    Es fácil dejar de percibir objetivamente la imagen cuando la miras demasiado tiempo (lo cual debes hacer para ser capaz de trabajar, por supuesto). Prueba a voltear las imágenes, mirarlas al revés, a través de un espejo (yo uso un CD), y haz zoom de cerca y lejos (o quítalo). No te sientes demasiado cerca del papel o acerques el zoom. También puedes hacer “New view” en Photoshop.

    Debes aceptar que el simple hecho de que hayas trabajado en algo durante un tiempo no significa que ese algo tenga algún valor. Tienes que estar preparado para sacrificar el tiempo que has empleado en hacer algo que se ve flojo. Incluso si estas contento con el nivel de detalle, podrías tener que rehacerlo. A veces no es el detalle en el que te estas centrando lo que esta mal, sino algo relacionado con él, como el valor del fondo o la perspectiva de otro detalle.

    ¿Qué es lo más importante de un cuadro?
    • Construcción: ¿qué intentas pintar? El sujeto y la composición deberían funcionar desde la primera fase. Si no es así, ninguna interpretación artística en el mundo podrá salvarlo. No te hagas ilusiones de que podrás salvar el cuadro después. Si una pose se ve errónea ahora, se vera rígida al final también, incluso si el propio Rembrandt la pinta.
    • Los valores: para que una obra funciones necesitas usar valores para esculpir las formas. Los valores pueden realizar muchísimo trabajo de agrupación y separación de formas.

      Mirad la ilustración: La primera versión esta obviamente mal. Simplemente se le ha dado a cada forma un tratamiento de luz y sombra. El segundo esta mejor, pero sólo hay un tipo de valor. El tercero tiene diferentes valores en las diferentes formas. Sin embargo, tal vez falla en cuanto a construcción…



      Aquí, tanto el valor como el color se usan para separar el primer plano del fondo.
    • Color: es posible que te equivoques un poco con el color (tono y saturación) y aun así consigas sacar la obra adelante. Si no hay forma de hacer que los colores funcionen, es probable que los valores sean incorrectos. Como nota adicional, si los pasos previos funcionan, es fácil hacer nuevas imágenes más frescas utilizando las herramientas de balance de color. Por mi experiencia, la elección original es a menudo la mejor.
    Críticas y errores comunes

    Cuando digo críticas en algunos foros, siempre termino diciendo exactamente las mismas cosas. Aquí hay una lista de los errores más comunes que los artistas principiantes cometen.

    Problema: Poner luz, sombra y tono medio en todas las formas, sin contar con la localización y el ángulo de la forma.


    Solución: Prueba a alejar el zoom, voltéala, pon tu propia cabeza del revés para observarla. No interpretes cada detalle individualmente. Si das la misma luz a las formas menos importantes el cuadro se vera plano y será difícil distinguir las formas más importantes.

    Problema: Mezclar negro en la sombra y blanco en la luz, y los dos para obtener los tonos medios del gradiente.


    Solución: Esto hace que el cuadro parezca gris y apagado. He encontrado algunas personas que buscaban “tutoriales de sombreado”. Eso no existe. No hay atajo que diga que deberías empezar por un tono oscuro y terminar con uno claro, y aplicarlo a cada detalle. Debes aprender cómo funciona la luz e interpretarla casi como si fueras un programa de 3D. Algunos pueden rechazar esta idea, pero para mí es cierta. A veces obtengo mejores resultados cuando dejo de lado mis prejuicios y mis habitos y simplemente sigo las “reglas de render”.

    Problema: Interpretar y destacar detalles que sólo distraen al observador.


    Solución: Tendras que sacrificar muchos detalles que podrían haber quedado maravillosos de haberlos completado. Lo importante es la obra como un todo. Por tanto, nada de destellos en la hebilla del cinturón de un tipo insignificante en la esquina. El ojo se guía por los brillos, el contraste y la saturación. Debes guiar al ojo hacia las partes importantes del cuadro.

    Problema: Poses sin vida y rígidas.


    Solución: Yo esto lo hago mucho. Es tan fácil dibujar a la gente de perfil o de frente con los brazos extendidos. Pero esto termina quedando aburrido y sin dinamismo, a menos que tengas una idea de composición en mente, o que estés haciendo un icono. Se intenta mostrar todos los detalles de un personaje en un único dibujo, pero si buscas una pose dinámica esto será muy difícil. Oscureciendo el cuerpo tal vez tendrías que sacrificar un brazo para conseguir una buena pose. Además, cuando escondes un detalle, dejas que la imaginación del observador decida qué aspecto tiene, ¡lo cual puede ser una buena cosa! Puede quedar mejor en la mente de lo que jamás quedaría en el lienzo.

    De cualquier modo, aprende a realizar escorzos y poses dinámicas haciendo estudios de cómics y de modelos de fotografías o del natural.

    Problema: Mala economía de las líneas, o intentos pseudoartísticos de trazos-mira-qué-espontaneo-soy.


    Solución: Cada trazo debería estar contribuyendo a la pieza. Algunas personas esperan seguir adelante con trazos aleatorios y pseudoartísticos. Los trazos aleatorios crean detalles aleatorios. Los detalles aleatorios distraen al observador de los verdaderos detalles del cuadro o dibujo. Ya sé que parece que algunos artistas pintan escenas perfectas con sólo unas pocas líneas rápidas bien situadas, pero pienso que en realidad hacen mucho trabajo de limpieza y optimización. Revisa la obra entera pieza a pieza y borra o aplana los trazos que no están contribuyendo a ella. Asegúrate de que el foco esta en el motivo principal y no en alguna línea pseudoartística. Las formas y los volúmenes más grandes son siempre los más importantes y tendrás que sacrificar muchos trazos que podrían quedar estupendos para que el todo funcione.
    Miniaturas adjuntadas Miniaturas adjuntadas aprendiendo cositas-bad.jpg   aprendiendo cositas-better.jpg   aprendiendo cositas-focuspoint.jpg   aprendiendo cositas-volume.jpg  

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    Última edición por Marta; 19-03-2007 a las 03:31
    Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

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  6. #51
    Aspirante Avatar de Marta
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    Re: Aprendiendo cositas

    Ya esta todo. Es muy probable que haya algunos errores de traducción o de cualquier otra cosa, dada la extensión del tutorial. Si detectais alguno, no dudéis en decírmelo y editaré para corregirlo.

    Espero que os sirva.

    Ah, se me olvidaba, Frank Solo, de momento no he traducido las imágenes, porque me parecía mucho trabajo para tan poca letra. Quizá otro día con más tiempo. De momento, cualquier duda no temas preguntar. Seguramente entre todos podremos contestarte (hay palabras, como fly-swatted, por ejemplo, que no entiendo yo tampoco, mi inglés es un poco de andar por casa).
    Última edición por Marta; 18-03-2007 a las 23:51
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  7. #52
    Please wait Avatar de kouprey
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    Re: Aprendiendo cositas

    muchísimas gracias Marta....es que es genial.te mereces un para reponer fuerzas y un ....como encuentras tiempo para practicar y hacer tutos...ah...bueno ya lo dijiste...es que te gusta un montón......saludos and a loot of tanks...

  8. #53
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    Re: Aprendiendo cositas

    De nada, un placer. De todas formas, no lo agradezcas tanto, porque la traducción deja mucho que desear. Pero bueno, para enterarse un poco de lo que pone digo yo que valdrá...
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  9. #54
    next! Avatar de A78
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    Re: Aprendiendo cositas

    Marta estas que te sales, gran trabajo que nos ayudará mucho!.
    Mar también!, se agradece mucho el esfuerzo!


    Editado: jejeje, gracias Marta, interpretadme con la intuicion please!
    Última edición por A78; 19-03-2007 a las 21:24

  10. #55
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    Re: Aprendiendo cositas

    Cita Iniciado por A78 Ver mensaje
    se agrede mucho el esfuerzo!
    Hombre... Espero que no.
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  11. #56
    Aspirante Avatar de Marta
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    Re: Aprendiendo cositas

    Na, sólo te tomaba un poco el pelo...

    Pero que sepas que es un HONOR tener al gran A78 por aquí, y que tu hilo ese de las antigüedades me sirve de inspiración y de motivación. Mi más sincera admiración.
    Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

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  12. #57
    next! Avatar de A78
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    Re: Aprendiendo cositas

    nada de piropos conmigo!, tu eres una artista yo solo soy persistente.

    ( Marta me admira! Marta me admira! )

  13. #58
    Aspirante Avatar de Marta
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    Re: Aprendiendo cositas

    Cita Iniciado por A78 Ver mensaje
    tu eres una artista yo solo soy persistente
    Pues a mí que me da que es al revés...

    A mí todavía me queda mucho para llegar a un nivel aceptable.
    Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

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  14. #59
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    Re: Aprendiendo cositas

    Cita Iniciado por Marta Ver mensaje

    Ah, se me olvidaba, Frank Solo, de momento no he traducido las imágenes, porque me parecía mucho trabajo para tan poca letra. Quizá otro día con más tiempo. De momento, cualquier duda no temas preguntar. Seguramente entre todos podremos contestarte (hay palabras, como fly-swatted, por ejemplo, que no entiendo yo tampoco, mi inglés es un poco de andar por casa).
    [/LEFT]
    No hay problema Marta, tampoco te preocupes demasiado.
    Ya procuraré buscar una traducción apróximada y si no... pues preguntaré por aquí. En cualquier caso, muchas gracias por tu esfuerzo.
    ¡¡¡Púta crisis!!!

  15. #60
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    Re: Aprendiendo cositas

    Traducción de parte del blog de Marque Kennedy

    Temple of the Seven Golden Camels: Carrying a Sketchbook, part one





    A mí me resultó muy interesante. Espero que a vosotros también. Lo he traducido porque casi leo inglés a la velocidad que tecleo, no me supone un esfuerzo excesivo compartirlo con vosotros y si os gusta la mitad que a mí lo que escribe este hombre, bien vale la pena. Además, para las próximas cien veces que lo relea, me costara mucho menos esfuerzo.



    Pregunta: ¿creéis que debo consultarle si puedo publicar la traducción? Es que no sé muy bien si esto es muy correcto. Mañana a ver si se lo pregunto en su blog y le paso este enlace, a ver qué opina al respecto...



    Si veis cualquier fallo en la traducción (he inventado un par de cosas) me decís.





    Llevar un sketchbook. Parte I.

    El mejor consejo que puedo daros sobre cómo llegar a ser mejores artistas es que llevéis con vosotros siempre que podáis un sketchbooque (blok para apuntes). Hay muchas razones por las que muy poca gente lo hace alguna vez. Yo no lo hice durante muchos años y ahora desearía haberlo hecho, así que este es el primero de varios posts en los que intentaré convenceros de hacerlo.

    Llevar un sketchbooque es muy, muy importante. Un sketchbooque es tu mejor oportunidad de captar la vida misma cuando pasa por tu lado. ¿Por qué es esto tan importante? Porque lo que hace grandioso el contar historias, la animación, los personajes y las películas de cualquier tipo es que capturan una verdad acerca de la vida real. Cualquier película que nos muestre un reflejo de la vida tal como la conocemos siempre penetrara profundamente en nosotros. “La dama y el vagabundo” puede ser que trate sobre perros, pero lo que la convierte en una gran película es que cuando la vemos pensamos: “sí, siempre pensé que si yo fuera un perro me sentiría de esa forma”. Y, lo que es más importante, los perros de esa película actúan como mucha gente real y tienen las mismas esperanzas y miedos que todos nosotros: el miedo de no pertenecer a nadie, el miedo a ser reemplazado por alguien a quien tu familia quiere más que a ti, el miedo a envejecer y no ser útil nunca más, por nombrar algunos.

    La verdad nunca se pasa de moda ni pierde interés. Cualquier película que capture la verdad de la vida siempre tendrá una audiencia, no importa qué otros defectos tenga. Hay tantas películas hoy en día hechas por gente que no intenta decir nada acerca de la vida ni intenta retratar a gente real… Están demasiado ocupados siendo mañosos o inteligentes o estilosos o cualquier otra cosa.

    Sea como sea, si no has escuchado el reciente podcast de Brad Bird, Spline Doctors, explica esta idea muy bien. Habla de cómo "Los increíbles" es más que una película de superhéroes. Trasciende el género de superhéroe porque es una película acerca de una familia y de un tipo con problemas reales, no inventados.


    Este es un punto en el que insisto siempre, porque si hay una cosa de la que sufre la animación es de la tendencia a caer en los clichés típicos de la animación en vez de reinventarla y buscar nuevas ideas y opciones más frescas. Muchas películas de animación y programas de televisión parecen querer repetir lo que ya se ha hecho, en vez de intentar nuevos caminos.


    En cualquier caso, lo que intento decir es que un sketchbooque es más que una forma de mejorar tus dibujos. Te fuerza a centrarte en el mundo que te rodea y a analizarlo. El simple hecho de intentar plasmar el mundo en tus papeles hace que lo observes y los estudies todo a tu alrededor, en vez de simplemente dejar que pase a tu lado sin echarle ni una mirada. La verdad es que puedes conseguir lo mismo siendo un observador-de-gente incorregible siempre que estés en público, lo cual deberías hacer también. Si no te fascina la gente y lo que los convierte en lo que son, no puedo imaginar qué haces tú queriendo contar historias o interesandote por la animación.

    Y de un modo más directo, llevar un sketchbooque te ayudará a liberarte de los clichés porque, cuando utilizas el sketchbook, si estas dibujando gente que ves todos los días en vivo, entonces estas dibujandolos tal como son en la vida real y capturando sus emociones reales y su movimiento, lo que te ayudará a crear en tu mente una “biblioteca” sobre cómo se mueve la gente. Este es un antídoto contra la utilización en animación de las mismas poses, actuaciones y asuntos que se han venido utilizando frecuentemente en nuestra industria.


    Sea como sea, en los próximos posts sobre sketchbooks hablaré sobre las razones por las que la gente odía llevar sketchbooks y haré lo que pueda para convencerte de que olvides esas cosas y adquieras el habito de llevar el sketchbooque y usarlo. Finalmente, esta claro que no lo haras a menos que te divierta, así que mi último objetivo será ayudarte a encontrarle el punto divertido a hacer bocetos en tu sketchbook.


    Razón 1 por la que la gente no usa sketchbooks: Todo el mundo odía que miren por encima de su hombro mientras dibujan.


    Esta es la principal razón por la cual yo no utilicé el sketchbooque durante mucho tiempo. En animación, la mayoría de nuestro trabajo se hace en privado, donde podemos redibujar las cosas una y otra vez hasta que queda perfecto. Mucha gente es buena haciendo un dibujo perfecto a la primera, pero yo no. Yo necesito intentar cosas diferentes y volver sobre el mismo dibujo unas cuantas veces para obtener un resultado que me guste. Con el sketchbook, esto simplemente no es posible. Sólo le dedicas un intento a cada dibujo. Y siempre que dibujes en público, esta claro que alguien va a mirar por encima de tu hombro y tratara de ver lo que estas haciendo, y es muy difícil no sentir que te están juzgando.


    Cuando yo estaba en CalArts iba regularmente al zoo de Los Ángeles a dibujar a los animales. Había siempre muchos niños de primaria y no tenían ningún reparo en mirar sobre tu hombro y comentar lo que estabas haciendo.

    Es divertido. Yo no sé lo que la gente espera ver cuando miran un sketchbook, pero siempre parecen decepcionados. Yo creo que esperan ver lo que verían en una versión de sketchbooque en plan Hollywood. Cuando tú ves a alguien en una película dibujar del natural, siempre se ve como muy suelto y fácil, pero en realidad es un dibujo totalmente acabado y muy elaborado que algún artista ha tardado horas en realizar.


    Cualquier sketchbooque real esta lleno de errores, falsos comienzos y tropiezos, con algún que otro éxito aquí y alla. Si eres capaz de hacer siempre dibujos perfectos, tu ¡no necesitas llevar un sketchbook! Pero la forma más rápida de aprender a hacer dibujos perfectos es hacer muchos dibujos malos primero… y aprender de ellos.


    Así que no mires tu sketchbooque como un lugar donde hacer dibujos perfectos. No es para eso. Es para aprender. Si te presionas a ti mismo para hacer dibujos perfectos nunca llevaras un sketchbook. Es demasiada presión y elimina cualquier diversión que pudiera suponer el hacer bocetos.


    No te centres en lo buenos o malos que son los bocetos, sino en intentar captar lo mejor posible lo que ves y aprender de ello. Para poder llevar un sketchbooque tuve que decirme a mí mismo que mi sketchbooque era sólo para aprender, no para llenarlo de preciosos dibujos. Céntrate en hacer un dibujo. No tiene que ser perfecto. Obtendrás mucho con sólo mover tu bolígrafo aquí y alla para capturar lo que ves. Dentro de ti sentirás cómo podría mejorarse y lo aplicaras la próxima vez. Procura no frustrarte, sólo recuerda que el sketchbooque no es para hacer dibujos perfectamente acabados. Un sketchbooque es sólo para aprender, ¿y cuando aprendes más que cuando cometes errores? Un error es la oportunidad perfecta para averiguar cómo puedes mejorar la próxima vez.

    Pero volvemos al punto: si te mira un niño y dice algo que parece un juicio, es sólo un niño siendo un niño. Tómatelo a risa, y mejor aún, apunta en tu sketchbooque lo que ha dicho el niño. Si duda eso entra dentro de la categoría “plasmar la vida tal como sucede”. ¿Qué mejor complemento para un documento que trata de plasmar la vida real que escribir lo que un niño honesto ha dicho en un momento muy real? ¿O intentar capturar la expresión de su cara mientras mira tus dibujos? Eso es lo que hace a los niños tan maravillosos: siempre reaccionan honestamente y dicen lo que piensan, sin tener en consideración cómo te lo vas a tomar o cómo te puedes sentir. La mayor parte son simplemente honestos. No tienen malicia.

    Sin embargo, es inevitable que también te tropieces con algún adulto que quiere ver tu sketchbook, también. Hace unos meses, una amiga de mi mujer cogió mi sketchbooque de una mesa (sin preguntar) y empezó a ojearlo. Cuando ya había visto la mitad más o menos, dice: “Oh, ¿puedo echarle un ojo?”. “Tú misma” le dije, puesto que no tenía opción. Lo miró entero, lo devolvió a su lugar y todo lo que dijo fue: “Hm”.

    Cualquier compañero artista que mire tu sketchbooque va a decir cosas bonitas, porque saben lo difícil que es y, además, es el comportamiento más educado. Pero por alguna razón, los que no son artistas no lo entienden así. Es el riesgo de ser un artista. Simplemente tienes que dejarlo pasar. Tómatelo a risa. A mí solía molestarme, pero cuando me hice más mayor me di cuenta de que estaba permitiendo que gente como esa me mantubiera apartado de lo que yo realmente quería hacer, que era llevar un sketchbook. Y ya estaba muy cansado de permitir que la gente me alejara de lo que yo quería hacer, así que decidí superarlo. Si soy lo suficientemente valiente como para llevar un sketchbooque en público y permitir que otra gente lo vea, bien por mí. Si alguien no tiene el sentido común suficiente como para ser educado cuando lo miran, esto dice más acerca de ellos mismos que de mí. Y si te ves alguna vez en la misma situación en la que me vi yo, recuerda que no lo hacen intencionadamente: la gente que no es artista no entiende realmente lo que intentas hacer, no se dan cuenta de que lo que dicen puede resultar irritante o insultante para ti.


    Lo mejor es que esto vuelve sobre el tema de la observación. Yo ya sabía cual iba a ser la reacción de esta mujer porque la conozco y lo sé todo sobre su personalidad. Simplemente es ese tipo de persona. No es tímida para dar su opinión y no es muy abierta a otras ideas que no sean las suyas cuando estas las tiene claras. No tiene mucha paciencia ni respeto por los esfuerzos artísticos (su interés esta más centrado en temas de negocios y financieros). No es mezquina, es sólo muy directa y en realidad es una persona muy dulce, que siempre te tiende una mano cuando la necesitas. Todo lo sucedido mereció la pena sólo por ver su carácter en acción. Si yo pudiera crear en animación una personalidad que tubiera una décima parte de su espíritu real dejaría a la gente maravillada, sin palabras.


    En definitiva, no permitas que el miedo a la gente te mantenga alejado de lo que realmente quieres hacer y de tu desarrollo como artista. Lo peor que puede pasar es que alguien mire tus dibujos y diga que no son buenos. Es muy raro pero es el riesgo que corremos como artistas. Nuestro valor como artistas no es la medida de nuestro valor como personas. Nuestra habilidad para ser humildes y admitir que aún nos quedan cosas que aprender dice más de nosotros que nuestra habilidad como artistas. Y alguien que sea lo suficientemente valiente como para hacer esbozos del natural y correr el riesgo de fallar en el intento de mejorar tiene el derecho de sentirse muy orgulloso de sí mismo. Después de todo, es mucho más fácil quedarse al margen y no intentar nada, pero eso no te hará mejor artista.


    Pero ¿qué clase de blogger sería yo si te estuviera dando la lata para que superases el miedo a lo que diga la gente y no compartiese algunas páginas de mi sketchbooque contigo? Desde luego, no uno muy bueno. En cualquier caso, como he dicho: no me centro en hacer buenos dibujos. Me centro en plasmar lo que veo y trabajar para conseguir ser mejor artista, no en llenar el sketchbooque de hermosos dibujos. Esto es por dos motivos: primero, que no puedo. Esta más allá de mis posibilidades el poder crear dibujos perfectos cuando estoy intentando plasmar el caos y confusión de vida que hay a mi alrededor. Cada vez que dibujo a alguien en una pose, siempre lo dibujo por primera vez, porque todo el mundo se mueve de forma diferente y realiza acciones diferentes a las de cualquier otra persona. Así que siempre intento captar algo nuevo. Este no es buen modo de ser perfecto. Si quisiera ser perfecto dibujaría siempre las mismas poses estándar, una y otra vez. Mi sketchbooque sería estupendo pero yo no aprendería gran cosa.


    Y segundo: no es divertido hacer dibujos perfectos porque (para mí) no es un objetivo realista que me interese. Así que me quito toda la presión de encima y simplemente me permito dibujar. Lo hago lo mejor que puedo y la frustración de ver que hago un dibujo que me queda fatal sólo me dura hasta que me sumerjo en el siguiente e intento hacerlo mejor. Esto es lo que lo hace divertido: intentar hacerlo mejor, intentar captar algo entretenido y único acerca de algún individuo sorprenderte que vea. Así que quítate de encima la presión e inténtalo. Cuando más dibujes, más mejoras veras y más te divertiras. Y cuanto más mejores, más se convertirá el dibujo en tu segunda naturaleza y podrás centrarte en la observación y en captar realmente la belleza de la vida del natural, lo cual debería ser nuestro objetivo, y no el de llenar libros con dibujos perfectos.

    Por supuesto, casi siempre intento captar el movimiento o la pose con todo el cuerpo del sujeto. Sin embargo, no puedo evitar dibujar también muchas caras. Veo tanta gente durante sólo un instante que no puedo resistir el impulos de tratar de capturar sus caras y su carácter tal como se muestra en su rostro. No soy muy bueno en captar el parecido, pero estoy intentando duramente mejorar en esto. A veces el espíritu de la persona parece emerger del dibujo y eso es especialmente placentero.



    (Para ver los dibujos del sketchbooque de Marque Kennedy ir a este enlace:
    Temple of the Seven Golden Camels: Carrying a Sketchbook, part one)
    Última edición por Marta; 08-06-2007 a las 10:38
    Vale mucho más morir intentándolo que vivir toda tu vida lamentándolo.

    In pursuit of a dream (Animation Mentor, dibujos y otras cosillas)

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